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ARQUICOSTURAS…[Figurín]

Una vez realizados los bocetos y los dibujos planos, se elaboran los figurines. Estos son dibujos más elaborados que los bocetos realizados a partir de la idea definida de la prenda. No se utiliza tanto como herramienta proyectiva én relación a la forma y el volumen, sino como herramienta expresiva con la que se va definiendo el color, textura textil, la adaptación al cuerpo, etc. Cada diseñador tiene un estilo personal pudiendo ser más abstracto o más realista, pero en general se busca proporcionar a la prenda cierto efectismo y comprobar su adecuación a la figura humana. En ocasiones se contrata a ilustradores de moda para su trazado, ya que a veces se utiliza como sistema de difusión. De carácter pictórico, las técnicas utilizadas en ellos son muy variadas, desde acuarela, tinta china, cera, lápiz de color, grafito, conté o rotulador entre muchos otros, pero siempre técnicas ágiles, rápidas y sueltas.

Se podría decir que el figurín se ha utilizado como herramienta proyectiva de indumentaria desde el Renacimiento. Pintores como Pisanello (Italia, siglo XV) dibujaron con máxima sensibilidad innovadores trajes de corte imaginarios que seguramente nunca se convirtieron en realidad. En aquella época no existía la figura del diseñador propiamente dicho, siendo generalmente los artistas, bajo las directrices de las cortesanas, los que dibujaban las posibles variantes de la indumentaria siendo los sastres o modistas los que las confeccionaban a medida. A partir de 1858, sería Charles-Frédéric Worth quien revoluciona el sistema del diseño de indumentaria, abriendo su casa de modas y sacando colecciones por iniciativa propia. Fue el primer modisto en crear sus propios diseños y exhibirlos para que la clientela pudiera elegir el modelo que deseaba. Aquellas modelos que presentaban sobre sus cuerpos las prendas se denominarían también figurines, hoy conocidas como modelos.

En relación a los modelos, se tendrá que mencionar la gran relevancia que tuvieron en el pasado como sistema de difusión de la moda. Las llamadas pandoras eran muñecas a las que se les vestía con las prendas diseñadas por las cortesanas. Su importancia trascendía los propios principios de la moda, llegando incluso a ser instrumentos diplomáticos en época de guerra, especialmente durante el siglo XVII . Más adelante serían las llamadas muñecas inglesas, recortables, los que tomaron el relevo a dichas muñecas para después ser la prensa especializada en la que aparecían los figurines ilustrados y los grabados de moda. Los modelos se retomaron puntualmente tras la Segunda Guerra Mundial. Debido a la escasez falta de suministro textil en la posguerra se ideó utilizar el modelo como sistema de difusión de los grandes diseñadores de la época. En la exposición itinerante conocida como El Teatro de la Moda, en 1945, se elaboraron 237 muñecas de alambre y yeso de unos 70cm de altura como estrategia de márketing.Hoy por hoy será la fotografía la que se utilice como principal sistema de difusión, manteniendo el figurín tan sólo como recurso estratégico en ciertas revistas especializadas.

Con respecto al figurín, en este proyecto se ha mantenido, al igual que en el desarrollo del resto de la documentación que lo conforma, cierta abstracción en su trazado. Estos figurines nos embriagan con un mundo de sugerencia, de inspiración y de posibilidades. No se aspira a transmitir una imagen realista de cómo quedaría la prenda una vez acabada, sino un estímulo a las sensaciones. En ellos se encuentra un complemento de expresividad para el diseño plano que los acompaña, el cual es el que aporta la definición formal y métrica. Para mantener el nivel conceptual alcanzado durante todo el proceso proyectivo, la única parte del cuerpo humano representada ha sido la cabeza. Su colocación relativa con respecto a la prenda ayuda a conocer la del resto de los miembros corporales sin concretarlos gráficamente. Estos figurines se han realizado con una técnica mixta buscando aquellas herramientas que mejor se adaptaran a la intención del dibujo. Primero se ha trazado una base básica a lápiz la cual servirá de guía para la pigmentación en acuarela neutra de las volumetrías textiles. Después se redefinirá la textura del tejido mediante trazos de lápiz y pilot de tono plateado y negro. El tratamiento del color no ha sido desarrollado para evitar la duplicación de documentación. Sólo en la representación del Sumika NoName se ha considerado oportuno dotarle de esa cualidad al ser la pieza con mayor grado de definición. Se muestra en él el delantero de colores neutros y la espalda de color para representar la reversibilidad de la prenda. En relación a esta reversibilidad y la combinación de tonos en el resto de la colección, se dispone de la carta de color presentada en los paneles de inspiración así como los monos que acompañan al diseño plano.

Con respecto al modelo, en indumentaria se podría considerar como tal al prototipo. Elaborado a escala real, el prototipo es la prenda a partir de la cual se elabora toda la documentación necesaria para su posterior reproducción.

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